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Robert De Niro

CRÍTICA | Coringa [COM SPOILEIRS]

by Thiago de Mello outubro 3, 2019

[VÍDEO: Coringa é um filme perigoso? | Assista!]

Fico intrigado com a versatilidade que pode ter um tiro na cabeça dentro da sétima arte. Esse tiro foi o momento que mais me impressionou em Coringa, de Todd Phillips. Mais especificamente, pela angustia que senti após o disparo. Não me lembro de um tiro desses ter me causado sensação tão adversa. Nenhuma das dezenas dos headshots de John Wick 3: Parabellum, por exemplo, me incomodou dessa forma. Pelo contrário, eles me entreteram. Ora, esses tiros já me fizeram rir alto – Queime Depois de Ler (2008, dos Irmãos Cohen) – e vibrar de emoção – Bacurau (2019, João Dornelles e Kléber Mendonça Filho). Por isso minha intriga: depois de tantos e tantos headshots, por que esse momento de Coringa mexeu tanto comigo? Qual foi o contexto que deu tamanho peso ao ato?

Coringa narra a história de origem de um dos vilões mais icônicos das sétima e nona artes. Por si só, isso já é um feito arriscado já que a falta de “justificava” que motivam seus atos é um elemento fundamental no arquétipo do personagem. Ou era, pelo menos. Afinal, o estudo de personagem do roteiro de Scott Silver e Todd Phillips demonstra que a realidade, com sua certeza explícita e inquestionável, pode ser mais angustiante do que qualquer dúvida. Ainda mais quando essa realidade é tão próxima de nós.

Phoenix consegue oferecer humanidade e loucura em graus intensos e incômodos

Phillips se inspira no cinema de Martin Scorcese para retratar sua versão da cidade de Gotham. Coringa é, em partes, uma combinação simbiótica de duas obras do diretor: Taxi Driver e O Rei da Comédia, ambos estrelados com Robert DeNiro – que também participa de Coringa. Se O Rei da Comédia dá inspiração à jornada do protagonista (ambos tentam ser comediantes profissionais que nutrem admiração obsessiva por um comediante famoso), Taxi Driver inspira a tônica da cidade e sua influência na jornada de “insanidade” do protagonista. Ambientado na década de 1970, a Gotham de Coringa é muito parecida com a Nova Iorque de Travis Bickle (DeNiro). Não a toa ambas partilham o mesmo período. As semelhanças ficam claras logo no início do filme, de formas variadas. Visualmente, a fotografia de Lawrence Sher carrega a atmosfera da cidade com paleta igualmente suja e debilitada, de cores fracas, mas ao invés do amarelado decadente de Taxi Driver, adota tons azuis lavados e verdes tóxicos e febris, próprios do Coringa. Nos rádios, jornais e TVs, informações sobre os altos números de criminalidade de Gotham. Termos como slums (que seria favela, mas cujo retrato é diferente do nosso) ou “super-ratos” criam imagens dos problemas sociais que acometem a população marginalizada, ao mesmo em que se conecta com a perspectiva de Travis Bickle. Mas isso não significa que ambos os protagonistas – ou seus filmes – sejam iguais. Travis parte em busca de justiça (à sua forma), portanto, um anti-herói. Já Arthur Fleck/Coringa (Joaquim Phoenix) não possui qualquer interesse social. Sua relação social e pessoal é quase niilista. Ele deseja principalmente alguma espécie de reconhecimento vingativo. Ou seja, um vilão. E dentro dessa perspectiva, Coringa se assemelha mais com O Rei da Comédia.

A tônica influente de Scorcese não se limita à atmosfera, como também se destaca na violência fria que pontua a decadência de Arthur Fleck. A crueldade – social e física – aparece de forma crua e explícita. Ainda assim, nada soa como violência gratuita já que há sempre contexto que a justifica. Mas o realismo de Coringa vai além de sangue e cadáveres. A realidade de Gotham é a mesma da nossa: um mundo caótico e perverso resultante da luta de classes. Servindo como um triste reflexo do nosso tempo, nossa realidade está entranhada na narrativa de Coringa. No período atual onde o mundo é manipulado e conduzido pela mentalidade exclusiva e excludente da extrema-direita, o filme elabora sobre as consequências violentas, trágicas, vulgares e inerentes de sistemas político-econômicos que exploram populações. A cólera condutora do Coringa é contra o establishment – o que torna essa luta e indignação no mínimo respeitável. Mas até que ponto ela permanece correta? Aliás, diante o sofrimento cruel e injusto que o sistema indiferente despeja sobre Arthur, ela vai ser correta?

A excelência da atuação de Joaquim Phoenix reflete todo esse peso da injustiça no personagem. Sua aparência é quase cadavérica, com magreza que incomoda e também sugere como ele vive. Com os ombros caídos e olhar para o chão, Arthur fala com timidez e em tom de voz passivo e subserviente. Carrega no corpo traumas físicos de um padrasto abusivo – é difícil não imaginar que os danos cerebrais que sofrera na infância não foram frutos disso – e uma mãe permissiva, ambos sintomas da desigualdade social. A paleta azulada reforça a melancolia depressiva do palhaço. Em pouco tempo em tela, Phoenix estabelece o passado e o presente do personagem, mas também sugere o futuro e antecipa seu estado final – não há qualquer necessidade de mistério quanto a isso, afinal. A expressão corporal que Phoenix cria para o personagem é completa e estranha. É interessante notar, por exemplo, como ele usa as mãos para controlar as pernas que começam a se mover ansiosamente e, após o declínio total do personagem, ele afasta as mãos das pernas o mais longe que pode para deixá-las moverem-se freneticamente. Ou nos momentos após ele assassinar alguém; a forma como dança após os atos é quase uma celebração por, apenas por um momento, ter controle da situação para interromper a dor e abusos que recaem sobre ele. Num primeiro momento, as danças acontecem em lugares fechados, longe de olhares alheios. Mas não tarda até que dance na rua, descendo pela escada, para quem quiser ver. E por mais interessante que seja essa progressão física do Coringa, é a evolução da risada do palhaço que é realmente fascinante.

A proposta de Coringa é elaborar um filme caracterizado por tônica realista, como o roteiro e o ótimo design de produção demonstram. Por isso ele busca explicações plausíveis para algumas questões básicas sobre o personagem. O rosto branco, por exemplo, não é graças uma queda num barril de ácido, mas pelo seu trabalho de palhaço – aliás, é muito interessante notar que nos momentos onde Fleck parece ceder espaço para o Coringa, há sempre um vestígio gradual de tinta branca no seu rosto, uma indicação da presença desse mal interno. E a risada também encontra uma justificativa: trata-se de uma doença mental que o faz rir em momentos de dor, tristeza, etc. Confesso que num primeiro momento fiquei receoso com essa escolha, mas aos poucos entendi e entrei de cabeça na proposta. A risada carrega dor e angustia. Ela incomoda. E ao longo do filme, a forma como ele ri sugere uma combinação que torna a gargalhada misteriosa: será que ele está rindo de dor, falsidade, humor real? Não dá pra saber com certeza, e essa dúvida é perfeita para o personagem.

Em determinado momento, após vermos como essa doença mental tortura Arthur, a câmera de Phillips destaca uma anotação no seu caderno de piadas/diário – o que, aliás, é outro detalhe sensacional já que tudo escrito ali ganha uma dubiedade por não sabermos se é uma anedota ou um desabafo sincero. Ela diz: “a pior parte de ter uma doença mental é que as pessoas esperam que você se comporte como se não tivesse”. Em letra infantil (será que está escrevendo com a mão errada? Se sim, por quê?) e com um smiley face (sua cara de negação), a frase é dolorosa e reflexiva. Foi essa frase que fechou o ultimo elo de conexão entre mim e Arthur. Me importei com ele. Fiquei indignado como o mundo o trata e torci para ele. Entendi sua revolta, seus desejos fizeram sentido. Por isso, mesmo inevitável, quando o Coringa dá o tiro na cabeça do apresentador, eu senti o impacto. A catarse vingativa e cruel do Coringa foi um abalo colossal na conexão emocional. É um rompimento agressivo. O ato é moralmente errado, mas como lidar com tudo que o levou até esse momento? Essa complexidade dá a Coringa uma maturidade enervante. A tal justiça que ele busca é horrível e condenável, mas, ao mesmo tempo, ela é um reflexo de algo maior, uma força impiedosa que tritura indivíduos até pontos inimagináveis. O headshot é o ápice da emoção estética do filme, criando significado e sentimentos instantâneos, complexos e inseparáveis.

Coringa é um filme agressivo, deturpado e misterioso, afinal ele é guiado através da perspectiva de Arthur, que é um narrador não confiável, convenhamos. Na sua conclusão, a fotografia enaltece a chegada definitiva do vilão, que vira um herói para a população marginalizada. Ele se ergue ao som de palmas e desenha seu sorriso com sangue, simbolizando a entrega total. Após matar uma psicóloga no Asilo Arkham – deixando pegadas de sangue, que detalhe! –, ele anda leve e dança em direção ao sol poente que ilumina as paredes brancas do local, sendo o único momento do filme com fotografia leve e luz abundante. O enaltecimento visual dos minutos finais não é uma ode à violência, mas um vislumbre da emoção do Coringa. É a sua perspectiva. Ele está livre. E finalmente está feliz. E isso é assustador.

Data de estreia: 03 de outubro de 2019
Título Original: Joker
Gênero: Drama, Suspense
Duração: 2h01
Classificação: 16 anos
País: Canadá, Estados Unidos
Direção: Todd Phillips
Roteiro: Todd Phillips, Scott Silver
Cinematografia: Lawrence Sher
Edição: Jeff Groth
Trilha Sonora: Hildur Guðnadóttir
Elenco: Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Zazie Beetz, Frances Conroy, Brett Cullen, Marc Maron, Leigh Gill, Glenn Fleshler

outubro 3, 2019 0 comment

CRÍTICAS Destaque Filmes

CRÍTICA | Robin Williams: Come Inside My Mind

by João Rafael agosto 18, 2018

written by João Rafael

Logo nos créditos iniciais, em uma entrevista de 2001 para o Inside The Actors Studio, é exibido um trecho onde o entrevistador James Lipton pergunta a Robin Williams como funciona sua mente. Tomado por uma súbita onda de empolgação, o ator se levanta e começa a improvisar uma série de rápidas gags enquanto usa qualquer coisa como uma deixa para engatar a próxima piada. Esta, claro, seria apenas uma demonstração de sua mais conhecida característica: o raciocínio afiado para o improviso combinado com surtos de hiperatividade momentâneos. Logo após, uma voz bem mais calma e equilibrada – ainda que carregada de um levo peso melancólico – confessa: “Eu tenho medo de me tornar enfadonho até me ir me transformando numa pedra…”.

A contraposição entre a reflexão do próprio ator e as imagens alegres que vemos na tela é a perfeita introdução para investigar a dualidade de sua figura fascinante neste novo documentário intitulado Robin Williams: Come Inside My Mind, produzido pela HBO (já disponível aqui no Brasil pela HBO GO e Net Now) e dirigido por Marina Zenovich (Polanski: Procurado e Desejado, Richard Pryor: Omit The Logic). A acertada escolha não é aleatória, já que coloca esse conflito principal como um motivador na jornada para mergulhar na vida e obra de um dos comediantes mais icônicos do cinema dos últimos 40 anos. O filme traça um retrato intenso e emocionante de sua história, desde o tempo das incertezas, quando fazia curso de teatro na conceituada Juilliard School (onde teve como colega de classe um certo Christopher Reeve…), até o imenso sucesso popular no cinema – com o diferencial que acompanhamos tudo em grande parte através do próprio Williams a partir de diversas gravações caseiras e trechos de entrevistas, o que torna a experiência ainda mais pessoal.

A cineasta Marina Zenovich mostra controle total sobre como quer conduzir o público a conhecer os principais momentos da história, equilibrando de forma bem calculada as abordagens pessoais e as viagens aos acontecimentos que marcaram a carreira do ator. Aliás, esse é um ótimo exemplo de como a concepção de um bom documentário não se difere da lógica por trás de uma narrativa ficcional. Um bom roteiro é aquele que apresenta seu protagonista com eficiência, introduz conflitos e faz com o espectador se engaje na sua trajetória, tudo isso em um ritmo que mantém os temas num jogo constante de expectativas e obstáculos. É exatamente dessa maneira que a estrutura concebida pela diretora evita que a narrativa se torne excessivamente episódica, correndo o risco da obra se transformar numa versão visual de um folheto informativo sobre a biografia e filmografia do ator. Embora a lógica seja, de forma geral, cronológica no seu todo, a montagem molda a narrativa para que os acontecimentos sejam lembrados a partir dos temas refletidos por amigos, familiares e o próprio ator, resultando numa coleção de ricas imagens e belas lembranças que obedecem mais a um tributo à sua personalidade do que propriamente um resgate periódico.

Assim, após acompanharmos seus primeiros anos profissionais até conseguir um papel na série Mork & Mindy, em 1978, o longa sempre encontra momentos pontuais para retornar ao passado e buscar as motivações pessoais e influências. Não é surpresa quando aprendemos, por exemplo, sua admiração pelo também comediante e ator Jonathan Winters, cuja habilidade em improvisar piadas a partir de objetos e deixas de diálogo é prontamente alternada pela aparição de Williams em um especial da Vila Sésamo, onde faz basicamente a mesma coisa. Por outro lado, alguns momentos depois somos pegos com um sorriso inesperado quando vemos Robin em uma entrevista com sua mãe, que exibe um senso de humor inesperadamente intenso e jovial – o que nos leva a pensar imediatamente: “é claro que isso veio de alguém da família…”.

Com um trabalho extenso de pesquisa, Zenovich e sua equipe conseguem exibir diversas imagens inéditas, tanto de seus momentos familiares e bastidores de shows até seus anos nos teatros de improviso, algo que viria a ser bem popularizado pelo programa Who´s Line Is It Anyway, primeiro a versão britânica e depois o spin-off americano (aqui no Brasil, a Cia. Barbixas de Humor faz um divertidíssimo trabalho há anos). Um dos destaques é o período de sucesso com a sitcom e os diversos shows de stand-up pelas noites de Los Angeles, no início dos anos 1980, quando conheceu David Letterman, Richard Pryor, Steve Martin, entre outros. Época também onde entrou no vício pela cocaína como resultado da intensidade na vida profissional e pessoal. Mas foi também quando teve o primeiro baque pela morte precoce de John Belushi por overdose de cocaína e heroína, tendo passado a noite anterior com ele e Robert De Niro (posteriormente chamados para depor nas investigações policiais).

Robin Williams: Come Inside My Mind é uma fascinante jornada pela vida e obra do humorista.

O uso de drogas marca um dos aspectos abordados pelo documentário para traçar o outro lado daquele personagem hilário que víamos nas telas, mas jamais incorrendo no erro de julgá-lo inteiramente por isso. Do contrário, o filme acerta em investigar com mais profundidade um traço de personalidade que o ator já tinha desde sempre, representado por uma necessidade de aceitação traduzido pelo humor que beirava ao incontrolável. Dessa forma, não é surpresa quando vemos o ator nos bastidores de Retratos de Uma Obsessão (2002) fazendo questão de quebrar seu personagem de um filme de suspense durante os intervalos entre os takes, algo que impressionava próprio diretor Mark Romanek, que deixava que o ator usasse o fato como um ritual de autocontrole. A partir de vários outros depoimentos, notamos que a estratégia era uma constante em sua vida e que os momentos de vazio existencial realmente não escolhem privilegiar os mais depressivos daqueles conhecidos por serem engraçados. Nada mais revelador que isso é vermos imagens de um homem esgotado física e emocionalmente deitado em um sofá no camarim depois de passar 2 horas entretendo uma plateia de 3.800 pessoas.

E é essa a grande qualidade do documentário: revelar a vulnerabilidade por trás de alguém que parecia inabalável em cima de um palco, mas que também o usava para manipular suas idiossincrasias através de uma versão mais exagerada de si mesmo. E ao invés de retratá-lo como uma vítima ou doente, a obra respeita sua história sem deixar de revelar os defeitos de uma personalidade que despertou uma curiosa afeição de muita gente. No campo profissional, basta observar a facilidade em conferir um ar de tristeza no olhar em seus papeis mais sérios, como pode se ver em Bom Dia, Vietnã (1987, Barry Levinson), Tempo de Despertar (1990, Penny Marshall), O Pescador de Ilusões (1991, Terry Guilliam) e Gênio Indomável (1997, Gus Van Sant) – este lhe rendendo o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante. Ainda assim, até nas comédias era possível notar o talento em mudar rapidamente do humor ao drama, fazendo com que alguns desses personagens só não se tornassem trágicos porque não era a proposta dessas obras.

Se trágico seria uma palavra bastante injusta para definir a história de Robin Williams, é impossível não se emocionar com algumas de suas aparições, quando era possível ver claramente o momento em que o ator parecia ligar um interruptor dentro de sua mente e passar de um rosto triste na multidão para um showman que toma um ambiente inteiro para si mesmo em questão de segundos – nesse caso, vale a menção do hilário momento em que sobre ao palco para celebrar a derrota no Critics Choice Awards de 2003, na categoria de Melhor Ator, para um empate entre Jack Nicholson e Daniel Day-Lewis. Entre idas e retornos de reabilitações, aquela expressão melancólica parecia cada mais presente, ainda que sempre disfarçada pelo humor sempre afiado e instantâneo.

Ao se aproximar do desfecho, Marina Zenovich deixa mais evidente o respeito e carinho pelo homenageado, também simbolizado pelas visões de alguns de seus grandes e notórios amigos pessoais, como Whoopi Goldberg e Billy Crystal. Sem cair em um melodrama ou jamais explorando sua morte de forma sensacionalista, Robin Williams: Come Inside My Mind é um belo e emocionante tributo a uma das personalidades mais icônicas de grande parte de uma geração (ou mais de uma).

Robin Williams não se tornou enfadonho e nem tão pouco uma pedra. Sempre que seus personagens forem lembrados, o seu legado vai ecoar da mesma maneira que seu personagem em Sociedade dos Poetas Mortos (1989, Peter Weir) declama ao mostrar aos alunos imagens daqueles que já se foram há muito tempo:

“Carpe diem. Aproveitem o dia, garotos. Façam de suas vidas algo extraordinário…”

Data de estreia: 06 de agosto
Título Original: Robin Williams: Come Inside My Mind
Gênero: Documentário, Biografia
Duração: 1h56
Classificação: 10 anos
País: Estados Unidos
Direção: Marina Zenovich
Edição: Poppy Das, Greg Finton
Cinematografia: Wolfgang Held, Nick Higgins, Jenna Rosher, Thorsten Thielow

Trilha Sonora: Adam Dorn
Elenco: Robin Williams, Steve Allan, Robert Altman, Roseanne Barr, John Belushi, George Carlin, Jim Carrey, Johnny Carson, Dick Cavett, Billy Crystal, Robert De Niro, Whoopi Goldberg, Michael Douglas, Shelley Duvall, Craig Ferguson, Ron Howard, David Letterman, Steve Martin, Richard Pryor, James Lipton, Edward Norton, Christopher Reeve, Martin Scorsese, Steven Spielberg, Jonathan Winters

agosto 18, 2018 0 comment

Clássicos Colunas

CLÁSSICOS | Taxi Driver

by O Sete setembro 19, 2017

written by O Sete

A coluna dos filmes clássicos está de volta. Lembrando que uma vez em cada mês, a equipe d’O Sete vai publicar para vocês textos de filmes que marcaram época e que foram importantes de alguma maneira.

Em relação ao filme de hoje, gostaria de enfatizar que clássicos não são necessariamente filmes muito antigos. O clássico se define justamente pela inovação, a mensagem que pode apresentar, a revolução de um roteiro diferenciado ou de artifícios especiais. O clássico marca, envolve e faz a diferença. Pois bem, vamos falar de um taxista insano lá nos anos 70 (mas antes um pouquinho do famoso “nariz de cera”).

Quando eu era mais jovem e comecei a assistir filmes mais antigos, das décadas de 60 e 70, sempre ficava imaginando como era o cotidiano das pessoas daquelas épocas. Ingênua, pensava que antigamente a vida era melhor, que não existiam tantos conflitos, violência e tabus. O meu primeiro “susto” veio quando assisti à Bonequinha de Luxo (de Blake Edwards, 1961. Em breve vou comentar sobre ele aqui) pela primeira vez. Mesmo uma história um tanto quanto simples me deixou pensativa e, por fim, conclusiva: passam-se os anos, e os mesmos problemas continuam.

Na ocasião, pensei em escrever sobre Taxi Driver justamente por isso. Um clássico de 1976 que mostra, claramente, problemas e conflitos existenciais presentes ainda nos dias de hoje. A trama, dirigida pelo mestre Martin Scorsese e com atuação brilhante de Robert De Niro (lindo e jovem) no papel principal, mostra a vida de Travis Bickle, um rapaz de 26 anos, solitário, frustrado e alienado, que sofre de insônia e de uma falta de objetivo para sua vida. Os problemas para dormir o levam a trabalhar como taxista em Nova Iorque, no turno da madrugada. Enojado com o que vê pela noite em periferias da sua cidade, desde estupros e prostituição, ele dá espaço às ações heroicas, mas que para muitos, ele não passava de um monstro assassino.

Apesar de toda essa realidade atual que o filme nos mostra, ele é considerado um clássico por muitas das cenas que são célebres pelo seu significado. Coisas simples que dão um toque cinematográfico especial para entrarmos no mundo do personagem. É também considerado um dos melhores filmes norte-americano já produzidos, e se tornou pioneiro para deslanchar a carreira de Scorsese, De Niro e também da ainda não citada Jodie Foster. Na época tinha apenas 12 anos e interpretava uma prostituta nova-iorquina. Ela não podia fazer cenas muito fortes por causa de sua idade, e sua irmã, Connie Foster, que tinha 19 anos na época, foi sua dublê de corpo.

Também houve uma entrega absoluta de De Niro para protagonizar o personagem. Ele trabalhou durante 12 horas como motorista de táxi ao longo de um mês, como preparação para o papel de Travis, além de ter estudado sobre doenças mentais. O longa também é bastante aclamado pelas suas inúmeras cenas de improvisação. Dentre os muitos diálogos, principalmente no táxi serem improvisados, a cena em que ele fala “You talking to me?” (uma das mais famosas da história do cinema) foi obra do acaso. A câmera estava ligada, numa interrupção devido ao barulho exterior, enquanto ele ensaiava e de repente “inventou” esse discurso:

Outra curiosidade interessante é que o moicano característico que Travis adquire na metade do filme foi estrategicamente pensado. O roteirista Paul Schrader entrevistou vários veteranos da Guerra do Vietnã (1955 – 1975), e descobriu que o corte de cabelo era um sinal de quem fora enviado para missões perigosas.

Nomeado a quatro categorias do Oscar, incluindo Melhor Filme, o longa ganhou a Palma de Ouro no Festival de Cannes de 1976. E por mais que ele mostre uma história do cotidiano urbano e de conflitos existenciais, um clássico se torna clássico independente da ocasião. E Taxi Driver é um dos muitos que merecem ser visto e revisto várias vezes ainda hoje. E para você, o que faz um filme se tornar clássico?

setembro 19, 2017 0 comment

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Robert De Niro será homenageado em Cannes; assista ao teaser de seu novo filme

by O Sete maio 3, 2016

written by O Sete

O Festival de Cannes fará uma homenagem a um dos grandes atores de todos os tempos: Robert De Niro. No dia 16 de maio, o novo filme de De Niro, Hands of Stone (Mãos de Pedra, em tradução literal), ganhará sessão especial no Festival.

Escrito e dirigido por Jonathan Jakubowicz, Hands of Stone é uma biografia do lendário boxeador panamenho Roberto Duran. De Niro interpreta o treinador de Duran, Ray Arcel.

“Estou excitado para voltar à Cannes, especialmente com esse filme Hands of Stone, que eu tenho muito orgulho”, afirmou De Niro. “O filme é edificante, triunfal e um bom momento para o público, então eu estou ansioso para ver meus amigos ao redor do mundo do cinema se unirem a nós para esse divertido evento”, completou o ator.

A produtora The Weinstein Company lançará o filme. Um dos representantes da produtora, Harvey Weinstein, classificou o filme como “De Niro vintage”.

“Qualquer um que conheça Bob sabe a paixão que ele tem por boxe e sua enorme dedicação esse filme o fez muito realista e inteligente”, disse Harvey. “Em nome da Companhia, nós estamos animados pelo Festival de Cannes escolher homenagear Bob esse ano com uma sessão especial. Será um grande noite para prestar tributo a um dos grandes homens da nossa indústria.”

Hands of Stone estreia dia 26 de agosto nos EUA. Ainda não há previsão de lançamento no Brasil.

Assista ao teaser do filme.

maio 3, 2016 0 comment

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